BIOGRAFÍA

Francisco de Goya nació en el año 1746, en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza. Era hijo de José, un dorador de origen vasco, y de una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes.

Una vez asentada la familia en la capital zaragozana, entró Francisco a aprender el oficio de pintor en el taller del tradicional José Luzán, donde estuvo cuatro años copiando estampas hasta que decidió establecerse por su cuenta y, según dijo él mismo, "pintar de mi invención".

Antes de su viaje a Italia en 1771 su arte es balbuciente y tan poco académico que no obtiene ningún éxito; incluso se presentó a dos concursos convocados por la Academia de San Fernando (1763 y 1769) en los que fracasó estrepitosamente.

Sus pinturas estaban inspiradas, a través de los grabados que tenía a su alcance de viejos maestros como Vouet, Maratta o Correggio, pero a su vuelta de Roma, sufrirá una gran evolución ya presente en la pintura del Pilar de Zaragoza titulado La gloria del nombre de Dios.

En esta primera etapa, Goya se ocupa más de las fiestas nocturnas en las bodegas madrileñas que de cuidar de su reputación profesional y solamente pinta algunos encargos que le vienen de sus amigos los Bayeu, que eran tres hermanos pintores, Ramón, Manuel y Francisco, este último fue su inseparable compañero y protector a pesar de ser doce años mayor que él. También hermana de éstos era Josefa, con la que contrajo matrimonio en Madrid en junio de 1773, año decisivo en la vida del pintor porque en él se inaugura un nuevo período de mayor solidez y originalidad.

http://goya.unizar.es/InfoGoya/Obra/Evolucion.html (fotos de obras)

EVOLUCIÓN DE SU ARTE

http://arteenelvalle.wikispaces.com/file/view/FRANCISCO+DE+GOYA.pdf(fotos)

 

Cuando llega a Madrid cuenta con los académicos de San Fernando,en especial con

Mengs y Bayeú, cuya influencia se dejó notar en su obra, de estilo clasicista.
Después de volver de Italia muestra una tendencia hacia el realismo popular y caricaturesco.

Bóveda de la Basílica del Pilar de Zaragoza

Viaja de vuelta a Madrid y commienza a trabajar en la Real Fábrica de Tapices a las órdenes de Mengs.

Allí no puede desarrollar su personalidad porque tenia impuesta la temática de carácter costumbrista.
Pero sin embargo, refleja una visión fresca, agradable y sonriente de la vida popular:

Gallina ciega o El columpio
Tiene una gran ligereza en la ejecución y utiliza un vivo colorido.
De Velázquez aprede a jugar con las luces y los efectos atmosféricos.
En 1781 empieza su larga lista de retratos cortesanos como reyes, aristócratas, intelectuales, artistas, etc.

Comienza su sordera progresiva y le marca de por vida convirtiéndole en un ser fantástico y visionario. Además se vio influenciado por las nuevas ideas que viajaban por Europa y que le llevan hacia una actitud progresista, ultra ilustrada y de crítica social. De esta época son la serie de grabados donde refleja lacras sociales y una personalidad atormentada. Paralelamente pinta una serie de cuadros (no encargados sino por gusto) como locos Caprichos,Caprichos 2,Caprichos 3

El Incendio y El Naufragio, donde el capricho y la invención no tienen límites y donde la masa anónima y el dramatismo son los protagonistas.Continua a la vez su faceta oficial, retratos de cortesanos y muy en especial de

todos sus amigos, grandes figuras del pensamiento ilustrado como Floridablanca.

Continua en este periodo haciendo también pintura religiosa como pretexto para representar al

pueblo sin tener que sujetarse a dogmas.

-Cuarto periodo: (1808-1828) 
En esta época es cuando pinta la Familia de Carlos IV donde revela de modo realista. 
En 1801 Dos Majas (quizás encargadas por Godoy), de técnica y formas refinadas y elegantes.

Este periodo marcará la obra de Goya definitivamente.

Goya,por un lado, se muestra esperanzado por los aires renovadores que vienen de Francia pero también se muestra contrario sin dudarlo a la ocupación francesa y a los desastres de la guerra. Ahora pinta cuadros

históricos, verdaderos fotogramas de una contienda como lucha con los mameluco. Algunos de estos cuadros son Lay los Fusilamientos de la Moncloa y Los dos pertenecientes a los Desastres.

Durante la última parte de su vida proyectó en el populacho,hambriento y maltratado, sus visiones de miedo y esperanza. En los Fusilamientos predomina la sencillez técnica, la concepción formal y el patetismo en las expresiones. Su progresivo expresionismo se hará patente en sus Pinturas negras que ilumina la razón en el pensamiento ilustrado y por eso la luz recae en las figuras que van a ser fusiladas mientras que sus verdugos permanecen en la sombra.

A partir de 1819 se retiró a la Quinta del Sordo, una casa a orillas del Manzanares que decoró

con sus propios cuadros: todos pinturas negras como Lucha a garrotazos, La romería de San Isidro o El coloso del miedo precedentes del expresionismo y del surrealismo.

Al haberse mostrado partidario de la Constitución de 1812 y temiendo por la represión absolutista de Fernando VII, en 1824, tras la experiencia del Trienio Liberal, huyó a Francia afincándose en Burdeos donde pintó algunas obras como la Lechera de Burdeos lienzo que supuso un verdadero anticipo del Impresionismo. Murió cuatro años después (1828).

 OBRAS

 -La vendimia(1786-1787)
-El baile a orillas del Manzanares(1777) 
-El quitasol(1777)  
-La cometa(1777-1878)
-Autoretrato en el taller(1790-1795) 
-El pelele(1792) -Banderillas en el campo(1793)
-La maja desnuda(1795)
-El aquelarre (1797-1798)
-El pintor Francisco Bayeu
- El cardenal Don Luis María de Borbón y Vallabriga
-Carlos III, cazador
-Carlos IV

-El bebedor
-Gaspar Melchor de Jovellanos
-La familia de Carlos IV(1800-1801) 

-La maja vestida(1800-1805) 

-El 3 de Mayo en Madrid: Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío(1814)

 -Autoretrato(1815)
 -Última comunión de S.José de Calasanz(1819)
-Duelo a garrotazos(1820-1823) 

Autorretrato:
Fue pintado en el contexto histórico de la Restauración absolutista, años difíciles en los que se persiguió a liberales e ilustrados afrancesados, y en los cuales Goya se alejó de la vida social y representativa acogiéndose a su círculo familiar y apoyándose en sus mejores amigos. No tardaría mucho en adquirir, para llevar una especie de retiro en un paraje casi campestre a orillas del manzanares, una casa o quinta, llamada del sordo, donde llevó a cabo sus afamadas Pinturas negras, con las que este autorretrato comparte rasgos estilísticos.


Duelo a garrotazos:
dos villanos luchando a bastonazos en un paraje desolado enterrados hasta las rodillas. Independientemente de que estuvieran enterrados, este tipo de duelos se producían en la época al igual que los de caballeros, solo que, a diferencia de estos, las armas eran garrotes y carecían de reglas y protocolo: padrinos, cuenta de pasos, elección de armas.

Marcel Duchamp (1887-1968)

 

Nació en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo de Francia el 28 de julio de 1887 donde su padre, Eugène Duchamp, trabajaba como notario y alcalde.

Eran seis hermanos en total,él era el tercero. Sus dos hermanos mayores, que más adelante adquiririan los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, quisieron dedicarse al arte, tal vez debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una gran fortuna como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras.

Su arte influyó en las Vanguardias del siglo XX.

Marcel Duchamp estaba muy unido a sus hermanos mayores y asistio a clases de dibujo en  el liceo, como sus hermanos mayores.

Su hermano Gastón (Jacques Villon) había alcanzado algo de  fama como pintor de carteles en Paris.

En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realiza varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que más adelante también se dedicará a la pintura.

En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse a un barrio parisino llamado Montmartre, donde vivió con su hermano Gastón.

Marcel, al igual que sus hermanos, disponía de una asignación mensual que su padre le daba como adelanto de la herencia.

 Entre 1906 y 1911 su pintura está entre distintas ideas fauvistas y cubistas. En estos años expone en varias ediciones del Salon des Artistes Humoristes, del Salón de Otoño, Salón de los Independientes y en las exposiciones de la Sociedad Normanda de Pintura Moderna.

La exposición de Braque en la galería Kahnweiler en 1908, la publicación del Manifiesto Futurista de Marinetti en 1909 y su amistad con Picabia, a quien conoce en 1910, tienen gran influencia en su etapa de formación.

 En 1912 asiste con Apollinaire y Picabia a la representación  teatral de la pieza Impressions d'Afrique, de Raymond Roussel. Queda deslumbrado por la ironía del autor hacia la máquina y por el teatro del absurdo.

En ese mismo año, se va a Munich,durante dos meses da pie a su completa liberación y decide dedicarse a la elaboración de una obra, cúmulo de muchas otras, que le llevará mucho tiempo.

En Munich realiza:

1.    Vierge n.1

2.    Vierge n.2

3.    Le Passage de la Vierge a la Mariee

4.    Mariee

En 1913, en el Armory Show de Nueva York, Duchamp se presenta con cuatro obras, que son todas ellas adquiridas por importantes coleccionistas americanos.

Más tarde la exposición pasa a Chicago y Boston.

En este mismo año hace un objeto con una rueda de bicicleta sobre un taburete que es el precedente de los ready-mades(es una obra de arte que se convierte en ello porque el artista lo declara asi,es decir,que el artista escoge un objeto que le parece una obra de arte,lo declara obra de arte y el no influye en la realización dicha obra) y las máquinas rotativas.

En 1914 realiza su primera obra sobre vidrio: Glissière contenant un moulin á eau en métaux voisins Glissière contenant un moulin á eau en métaux voisins, compra un secador de botellas y lo firma como una obra de arte.

En Agosto de 1915, se traslada a Nueva York. Se instala en casa de un matrimonio llamado Arensberg, que serán amigos, protectores y los principales coleccionistas de su obra.

Lo importante en su creación es la instantaneidad,un retardo ultrarrápido,que desconecta y extrae al objeto de su identidad y clasificación convencionales.

En 1917 es miembro fundador de la Society of Independent Artists Inc. Organizan una exposición en la que presenta Fontaine,el famoso urinario.

BIOGRAFIA

Es el más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron más destacados los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años.

En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo – sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su trayectoria.

En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2, obra personalísima en la que  fusionó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento.

Desnudo bajando la escalera nº2

La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.

Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria.

En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad.

El gran vidrio.

Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista.

Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX.

En 1917 se reencontró en Nueva York con su amigo Francis Picabia, al que secundó en su tarea de dar a conocer el movimiento dadá en Estados Unidos, para lo cual participó en la creación de revistas adscritas al movimiento como 291 o El ciego.

El ciego.

Durante buena parte de las décadas de 1920 y 1930 abandonó la práctica artística por la semiprofesional del ajedrez, juego del que llegó a ser un moderado experto.

Desde 1934 estableció fuertes lazos con el movimiento surrealista, especialmente con Bretón, que en 1935 publicó el primer estudio concienzudo de su obra.

Poco a poco, Duchamp fue recluyéndose en el anonimato con la única compañía de su esposa, Teeny Sattler, con quien había contraído matrimonio en 1954.

OBRAS

-La fuente:

Se presentó en el Salón de los Independientes de Nueva York y es el ready-made más emblemático y controvertido de Marcel Duchamp. En su presentación, originó un gran escándalo.

A partir de 1910, Duchamp se situó como precursor del Dadaísmo. Comienza a descontextualizar objetos que ya estaban fabricados y les da un nuevo significado.

De esto nacieron los ready-mades o esculturas realizadas con objetos existentes y vulgares, que fueron una de las aportaciones más importantes al arte del siglo XX.

E limitó a escoger un utensilio corriente que al arrancarlo de su mundo cotidiano, de su uso normal lo coloca en uno de inutilidad, privándolo por completo de todo valor funcional.

-La Rueda de bicicleta:

Este fue su primer ready-made. En este caso, coge una rueda y la fija a un taburete de cocina, convirtiendo ambos objetos en obra de arte.

Pero su atrevimiento más espectacular fue cuando presentó en la primera exposición pública de la Sociedad de Artistas Independientes que se inauguró el 9 de abril de 1917, un urinario de porcelana blanca colocado al revés con el título de Fuente.

Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba el artista francés: la desacralización del arte. Esta primera muestra de los Independientes obtuvo un gran éxito; sin embargo, el urinario transformado en fuente, no figuró entre las obras expuestas.

Los organizadores decidieron no exponer aquel objeto por considerarlo "indecente", lo cual provocó varias discusiones internas y la dimisión del mismo Marcel Duchamp, que formaba parte del comité directivo.

Con sus ready-mades niega el concepto tradicional de arte y se propone cuestionar el estatuto artístico, es decir, la belleza, al seleccionar utensilios del entorno más común. De esta forma plantea al espectador un interrogante, que en realidad no sabe exactamente qué pensar sobre algo semejante. En definitiva, da a entender que el único factor determinante de que un objeto tenga o no valor estético sea la misma percepción.

-Desnudo bajando la escalera nº2:

Una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando una escalera de Duchamp son iconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dada, en los que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.

La interpretación del cuerpo humano como una máquina en movimiento es una idea puramente futurista en la que el desarrollo de la cronofotografía y los comienzos de la cinematografía tuvieron mucho que ver.

Poco después de estas composiciones, Duchamp comenzaría su periodo más dada, con sus ready-made y sus icónicas fuentes-orinales.

Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, una obra abstracta, conocida también como El gran vidrio.

Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas.

La obra original se encuentra en el museo de Filadelfia y está agrietada, debido a un mal embalaje en el traslado al Museo de Brooklyn en 1926, única vez que se pudo contemplar en su estado original. Diez años después, el propio Duchamp restauró la pieza.

En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made.

Además de su obra plástica, es muy importante destacar su afición a los juegos de palabras que muchas veces se encontraban presentes en los títulos de sus obras, produciendo una multiplicidad de hilarantes lecturas.

Los últimos años de su vida, Duchamp preparó en secreto la que sería su última obra y que sería armada sólo después de su muerte, ésta es un diorama que se observa a través de un agujero en una puerta del museo de Filadelfia, lo que ahí dentro se ve, es una parte del cuerpo de una mujer, ostentando una lámpara en un paisaje rural.

 Toda su obra es una burla al espectador, carente por completo de significado de ningún tipo.

Eje cronológico

1.-Impresionismo (1874-1910)

Se da en 1874 y fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época.Las características del movimiento son, en primer lugar, el gusto por el paisaje y la segunda característica reseñable del Impresionismo es el realismo.Un precursor de este movimiento fue Eduard Manet.

DEGAS

 

EDOARD MANET



 MONET

2.-Fauvismo (1905-1907)

El fauvismo es el estilo pictórico francés, con características expresionistas, como el uso de colores intensos, sobre todo el verde. El nombre viene de la palabra francesa fauve: fiera.



Henri Matisse



La paleta de colores de los foves se destaca por el empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color, colocando colores diferentes de los reales, por ejemplo pintar los árboles de amarillo limón y los rostros en color verde esmeralda.

Henri Matisse es el fundador de este movimiento, con su pintura de 1904, “Lujo, calma y voluptuosidad”, que se considera la síntesis del postimpresionismo, y es un manifiesto del incipiente movimiento fauvista. Cuando esta obra se expuso en la Sala de los Independientes del Salón de otoño de 1905, causó sorpresa en todos los presentes, por el uso subjetivo del color y la simplificación del dibujo.

André Derain comenzó a pintar empleando la línea y el color, influido por esta obra. Pronto sufrió el desprecio de la crítica, por el desinterés en el acabado y los colores chillones de sus paisajes, pintados en Coillure, en el Salón de Otoño de 1906.

Henri Matisse

Conjuntamente se expuso el “Retrato de la Sra. Matisse”, de H. Matisse que fue leído como una caricatura de la feminidad. Debido a la desaprobación de la crítica, los fovistas se convirtieron en un grupo de avanzada en París.







Henri Matisse

Las principales influencias de este movimiento provienen de Paul Gaugin, y de las ideas de Zola, Nietzsche, Stirner y Huysmans. Conciben la actividad artística como un impulso vital, donde se preocupan de la resolución de problemas meramente plásticos.

El maestro del movimiento fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Rouault, Matisse, Marquet, Manguin, Camión y Puy. Moreau no adoctrinaba a sus alumnos, los alentaba a independizarse y elegir la técnica que se adecuara a su personalidad.

De Gaugin tomaron la libertad en el uso del color, pero exacerbada. También predicaron la liberación del instinto y el temperamento del pintor, y sus sentido decorativo.

Para los fauvistas, el cuadro debía ser expresión, no composición ni orden.

El movimiento surge a raíz del Salón de Otoño de 1905, cuando un grupo de artista se presenta a concurso, y ante la incapacidad de clasificar sus obras por el uso de los colores y la forma salvaje de pintar, son colocadas en un salón aparte y calificados de incoherentes.

El nombre fauvismo, surge del crítico de arte Louis Vauxcelles, que describe el trabajo de estos artistas como “Donatello entre las fieras”. Fiera en francés es Fauve, de allí Fauvismo. Esta denominación peyorativa agradó al grupo, que la adoptó de inmediato.

3.-Expresionismo (1905/1913)

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del
artista.
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

Artistas expresionistas

Die Brücke (El Puente)

Der Blaue Reiter (El jinete azul)

  

Escultores expresionistas

Ernst Barlach

Wilhelm Lehmbruck

4.-Cubismo

Cubismo

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, tranformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura.
Las formas que contruyen los pintores del cubismo siguen unos esquemas rígidamente geométricos, muy propios de la pintura intelectualista.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Luis Vauxcelles,el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fieras;en el caso de Braque y sus pinturas de L´Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
 En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas.

Artes menores del cubismo

Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. Una de sus aportaciones fue el caligrama.
El cubismo repercutió en la escultura, a través de técnicas similares al collage del cubismo sintético. La escultura empezó a construirse con materiales de desecho, elaborándose con piezas diversas y no procedentes de un solo bloque de piedra o mármol. Con ello se crea la llamada estética de «ausencia de masa», al surgir huecos y vacíos entre las superficies. Como los arquitectos, los escultores no dan forma a un volumen, sino que crean espacios.
El propio Pablo Picasso realizó esculturas cubistas. Escultores que crearon obras cubistas fueron Alexander Archipenko,Jacques Lipchitz y Henri Laurens, además de los españoles Pablo Gargallo y, sobre todo, Julio González, pionero en el uso del hierro gracias a la soldadura autógena, lo que abrió todo un mundo de posibilidades a la escultura del siglo XX. 

Pintores del cubismo

 

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.

George Braque (1882-1963)
Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.
También introducirá en sus pinturas los collages.
Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.
Juan Gris (1887-1927)
Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del bodegón. Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.

Fernand Leger (1881-1955)
El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas.

El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo, pero seguirá existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o Sección de Oro y el constructivismo ruso.

Autores del Cubismo.

Los autores más destacados son:

-André Derain:

 

  -August Macke  

 

-Emilio Pettoruti

-Franz Marc 

 

-PabloPicasso